ENTRETIEN. Javais envie daller questionner ce mythe de lécole émancipatrice : Marine Atlan

La directrice de la photographie et scénariste Marine Atlan signe un premier long-métrage, La Gradiva, qui, dans le contexte de la révolte lycéenne des dernières semaines, touche juste. Sorti le mercredi 21 octobre, le film raconte le voyage scolaire d’un groupe de lycéens de terminale à Naples et Pompéi.

Le film a reçu le Grand Prix à la Semaine de la critique au Festival de Cannes 2026, ainsi que le prix d’Ornano-Valenti au Festival du cinéma américain de Deauville. De plus, il figurait dans la liste des cinq films présélectionnés pour représenter la France aux Oscars, notamment aux côtés de La Bataille de Gaulle.

Marine Atlan dépeint avec un mélange de naturalisme et de romantisme cette période délicate de l’adolescence, un moment où l’on navigue sur le fil entre enfance et âge adulte, la tête pleine de rêves et d’angoisses. La réalisatrice s’est battue avec son équipe pour défendre un projet ambitieux, un film choral réalisé dans une économie « précaire », avec une troupe de jeunes acteurs inconnus, mais prometteurs.

Dans un restaurant au décor charmant, un brin désuet, niché dans le parc des Buttes-Chaumont à Paris, la réalisatrice nous en dit plus sur ses intentions et la manière dont elle a travaillé avec la co-scénariste et les acteurs pour réaliser ce film poignant, à la fois sombre et lumineux, qui parle admirablement de cette jeunesse intelligente qui s’interroge et traverse, comme elle peut, les turbulences d’une vie à l’horizon incertain.

Un premier long-métrage chargé de signification

Franceinfo Culture : Le film est traversé par de nombreux thèmes et questions, mais à l’origine, qu’aviez-vous envie de dire avec ce premier long-métrage ?
Marine Atlan : À l’origine, je crois que j’avais envie de raconter quelque chose de l’ordre de l’héritage, de ce qui se passe quand on a 17 ans, que l’on se sent tout-puissant et que l’on a une force de vie immense. Je voulais parler de ce moment où l’on prend conscience qu’on appartient à un temps plus grand que celui de sa propre vie et que notre histoire s’inscrit dans une histoire à la fois singulière, dans les généalogies, mais aussi collective. L’idée était d’essayer de raconter ce moment.

Écriture et inspirations

Comment avez-vous travaillé sur le scénario, qu’est-ce qui l’a inspiré ?
J’avais en tête de manière assez précise les trajectoires des personnages, notamment celle de Toni, avec cette finalité tragique. Il était crucial pour moi d’aller jusqu’au bout. Mais je ne voulais pas que l’on sente une dramaturgie cousue de fil blanc, trop écrite ou trop théorique.

« Je voulais vraiment que ce soit des enchaînements de moments de vie, et que dans ces moments de vie, comme dans la vraie vie, le sens apparaisse avec le temps et la distance. »

C’est ce qui rend le film long, car la révélation par la narration prend du temps. Avec ma co-scénariste Anne Brouillet, nous avions vraiment cette idée en tête, l’envie de scènes longues comportant du sous-texte, où les choses se révèlent petit à petit, avec différents niveaux de lecture. C’est un film choral pour lequel nous ne voulions pas d’une narration ou d’une structure classique. Nous nous sommes donc arrimées aux personnages, à leur ambivalence, à leurs contradictions, et aussi à leurs élans. Toni guide l’ensemble et les autres personnages sont tressés autour de lui. C’est avant tout l’histoire d’un exil, d’un roman familial, de la révélation pour Toni de son histoire, et de la manière dont il va traverser cette révélation. Mais c’est aussi l’histoire d’un échec collectif.

Sur la jeunesse contemporaine

C’est aussi un film sur l’adolescence, sur des jeunes qui ont aujourd’hui 17-18 ans. Comment avez-vous travaillé sur ce sujet pour trouver le ton juste ?
Le grand risque était justement de faire un film en cire, basé sur une adolescence fantasmée que je n’ai plus, bricolée avec mes souvenirs. Il était important de convoquer mes propres souvenirs, notamment émotionnels, mes sensations, et d’accepter cela. Mais il fallait aussi confronter constamment ces souvenirs à la jeunesse contemporaine. Nous avons donc travaillé avec la méthode du documentaire.

« Avant même d’écrire le premier mot du scénario, nous avons mené des entretiens avec des jeunes du lycée où j’ai grandi, qui était mon lycée de référence en termes de mixité sociale. »

Les entretiens menés avec les lycéens ont constitué une première base de travail pour comprendre ce qui traverse la jeunesse aujourd’hui : leur rapport à l’avenir, à l’amour, à l’école, à la politique, à l’écologie, au féminisme… Nous avons abordé tous ces sujets en entretien avec eux.

Une approche sociologique

Vous avez enquêté un peu comme une sociologue ?
Oui, nous voulions avoir une approche un peu sociologique, y compris dans l’écriture des trajectoires des personnages. Nous voulions être à la fois dans le singulier, mais aussi embrasser le grand mouvement, intégrer ce qui est quantifiable, mesurable et compréhensible, ce qui est commun et ce qui se répète. À cet égard, Durkheim m’a aidée sur l’analyse des faits sociaux. Une fois que nous avions rassemblé tout ce matériel, nous avons commencé à écrire.

L’identité complexe de Toni

Toni est homosexuel, mais vous n’en faites pas un sujet, pourquoi ?
Je voulais raconter un personnage homosexuel, mais pour qui cette homosexualité n’est pas un enjeu. Il est accepté dans son groupe d’amis. Son homosexualité ne le condamne pas. Cependant, il est traversé par d’autres enjeux, son identité est multiple et complexe. Il peut exprimer une forme de virilité, de bêtise même, de misogynie. Son homosexualité n’est pas ce qui le rend différent des autres ; cela fait juste partie de son identité et de sa complexité. Je pense que plus un personnage est singulier, plus il existe, plus il est fort et mémorable. C’est un aspect que j’ai souvent partagé avec Colas [Colas Quignard, l’acteur qui incarne Toni].

C’est une manière de sortir des stéréotypes ?
Je crois que nous sommes tous et toutes entre les stéréotypes et la singularité, l’unicité. Il y a des éléments stéréotypés chez Toni, et d’autres pas. Ce jeu, cette balance crée une identité.

La langue des jeunes

Il y a aussi une grande justesse, beaucoup de naturel dans les dialogues. Comment avez-vous saisi cette langue des jeunes lycéens ?
Pour les dialogues et l’oralité, nous avons fait des répétitions avec les vingt acteurs et actrices, et nous avons réécrit en fonction de ce qui sonnait juste, de ce qui marchait ou ne marchait pas. Nous avons aussi travaillé à partir de leurs improvisations. Nous avons ainsi extrait ce qui nous intéressait pour le réinjecter dans l’écriture.

Vous êtes inspirée par les méthodes de Mike Leigh ?
Je me suis plutôt penchée sur le travail de Rozier, de Renoir, de Cassavetes, de Kechiche. Travailler le dialogue et le texte avec une matière vivante était essentiel pour moi. Étant vingt, il fallait voir comment créer de la cohésion collective, comment ils pouvaient rebondir les uns sur les autres. En même temps, il fallait une structure et de vrais repères pour ne pas être
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